NOTAS SOBRE ATUAÇÃO E PRODUÇÃO

LINGS, Martin. The secret of Shakespeare. 1. paperback ed., rev.exp ed. Wellingborough: Aquarian Pr, 1984.

• A função primordial dos atores e diretores para fazer justiça ao significado profundo das peças de Shakespeare é ser o mais fiel possível ao significado literal, pois o significado mais profundo se manifestará por si só a partir dessa fidelidade.

  • A fidelidade ao sentido literal é complexa porque as peças maduras de Shakespeare centram-se na perfeição humana absoluta e insuperável, uma substância psíquica rica, una, simples e profunda que o ator precisa compreender em sua plena extensão.
  • O ator de Hamlet malogra se o público, na última cena, não concordar de coração com a exclamação de admiração de Horácio (“Ah, que rei é este!”) e com as palavras de Fortimbrás sobre a maior realeza que Hamlet teria mostrado.
  • O ator que representa Antônio não pode esquecer que, no final, seus homens dirão que a estrela caiu e o tempo atingiu seu período final, nem que Cleópatra dirá que nada mais resta digno de ser observado sob a lua.
  • Para evitar a dificuldade de representar a grandeza, o ator não pode apegar-se a palavras como “dotage” (senilidade) usadas pelos inimigos e retratar um homem debilitado, pois isso prejudica todo o significado da peça.
  • O motivo consciente para desviar-se do caminho traçado é frequentemente o desejo de ser original ou contemporâneo, levando a evitar o tema principal da sinceridade e profundidade e a inventar sutilezas psicológicas não justificadas pelo texto, como um injustificável “complexo de Édipo” em Hamlet, quando sua atitude para com a mãe é completamente normal e sua aflição é proporcional à profundidade de seu amor filial.

• A importância da fidelidade ao texto é ilustrada por um momento de “Noite de Reis”, cujo impacto máximo depende de o amor de Olívia por Cesário ser representado com toda a profundidade e sinceridade possíveis.

  • O amor de Olívia deve ser intenso o bastante para levar a plateia a ecoar o “infeliz!” de Viola e desejar que os nós se desatem.
  • O público só compartilha esse sentimento se levar Olívia e seu amor totalmente a sério, o que Shakespeare prepara ao fazer o Duque comentar sobre a capacidade de amar de Olívia dada a profundidade de seu luto fraterno.
  • Sebastian é a metade perdida e o complemento perfeito de Olívia, e o amor dela por Viola (disfarçada) é um antegozo da atração mútua e irresistível que existe virtualmente entre ela e Sebastian.
  • Viola torna-se, para a plateia, um símbolo de tudo o que a alma mais profundamente deseja, e Sebastian, ao surgir, é a substância que substitui a sombra, como se tivesse caído do céu, e o segredo do extraordinário poder desse momento reside nessa “abertura do Céu”.
  • O efeito do primeiro encontro entre Olívia e Sebastian pode ser incomensuravelmente aprofundado se for acompanhado por música, como a dos músicos de Olívia tocando dentro de casa e aumentando o volume quando ela sai.

• A vasta lista de possibilidades do teatro moderno abre portas para muitas inovações que estariam completamente fora de questão na época de Shakespeare, e encená-lo com roupas modernas não faz a plateia sentir-se “em casa”, mas cria uma sensação de desconforto pela disparidade entre o verso e a moda.

  • As vestimentas jacobinas e elizabetanas, ainda que limitadas, pertenciam ao final de uma tradição que concebia o homem como representante de Deus e as roupas como meio de enfatizar sua dignidade, somando forças com os esplendores da linguagem de Shakespeare, enquanto a vestimenta moderna, sem tais pretensões, luta contra esse esplendor e diminui seu impacto.
  • A vestimenta moderna ocidental é um triunfo do humanismo, com algo de implacavelmente horizontal que torna as realidades transcendentes improváveis, ao passo que em pinturas medievais, espíritos bem-aventurados podiam ser retratados com roupas contemporâneas sem incongruência, o que seria perturbador com trajes modernos.
  • Dar às peças um viés moderno resulta em falta de fidelidade ao texto, pois impor outro sentido do mesmo nível sobre o literal interrompe o fluxo natural em direção à transcendência.
  • Shakespeare escapou da prisão de sua própria época rumo ao mundo universal de Platão e santo Agostinho graças à sua intelectualidade, e seria perverso aprisioná-lo nas limitações particulares da época atual.
  • O público shakespeariano assiste às peças não como homens do século XX, mas como homens e mulheres que possuem em si algo que corre o perigo de ser morto pelo século XX.

• O ideal a que um diretor deve visar é que o texto de Shakespeare, seguido com escrupulosa fidelidade, produza o maior impacto possível no público, o que depende do desempenho dos atores e da criação de um ambiente onde o que se vê se harmoniza perfeitamente com o que se ouve, pois não há força sem unidade.

  • A “mania de originalidade” que domina a arte ocidental desde o fim da Primeira Guerra Mundial leva o diretor médio a preferir ser elogiado por um “experimento interessante” a ter sua produção considerada satisfatória, em vez de permitir que a verdadeira originalidade de Shakespeare se manifeste.
  • Para a unidade e força do impacto, tanto as vestes quanto o cenário devem estar em harmonia com as palavras faladas, e as peças medievais ou de outros contextos convidam a explorar a beleza de suas respectivas épocas, com adaptações e anacronismos legítimos quando não dissonantes, como o uso de “fleurs-de-lys” no manto de Cordélia para que o público a reconheça como rainha da França em sua segunda aparição.

• Todo diretor tem à disposição o grande tesouro de músicas que Shakespeare conhecia e amava, e adequar-se à prática do teatro elizabetano, acompanhando as peças com a mesma música de então, pode enriquecer imensamente uma apresentação.

  • A afinidade entre as peças de Shakespeare e a música de sua época é notavelmente forte, pois a música, menos afetada pela Renascença, tendeu a estar “atrasada em relação ao seu tempo”, assim como o próprio Shakespeare, que parece ter tido uma devoção especial pela “música antiga”.
  • A música para dançar da época (pavanes, bass danses, gaillards) e as fantasias instrumentais ou ricercari são ideais para acompanhar toda e qualquer ocasião, podendo mesclar-se às peças, fundir-se a elas, aprofundando sua beleza e inspirando atores e plateia.
  • Apesar do grande e crescente interesse por essa música, ela é raramente utilizada no teatro, onde frequentemente se oferecem sons medíocres compostos especialmente para a ocasião.
  • A música é um elemento de importância que não pode ser subestimado na produção do impacto das peças, pois o poeta imaginou que Orfeu atraía árvores e pedras, e nada tão estúpido e cheio de ira que a música não possa, com o tempo, mudar sua natureza, refletindo a função original e tradicional da arte de exercer um efeito transformador no espectador.